ESSAY 專 文 [traduit de l’anglais]

Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953

Accrochée dans la même collection depuis plus de soixante ans, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 est une œuvre phare du plus grand artiste vivant de France, Pierre Soulages. Soulages a créé cette peinture dynamique à un moment essentiel de sa carrière alors qu’il entrait dans sa maturité stylistique. Dans cette œuvre de grande échelle, Soulages a introduit un sens du mouvement vigoureux qui est ancré par une composition puissamment structurée et imprégnée d’un sens fascinant de la lumière intérieure. Utilisant des traces de pinceau dans des teintes subtilement superposées de noir, blanc, gris et marron, il a défini des plans diagonaux orientés vers le haut et vers la droite avec des courbes subtilement reliées qui établissent des contrepoints de rythme visuel et des rimes. Abstraction résolument non figurative, la luminosité dramatique de la toile anime la peinture et souligne l’exploration de l’obscurité et du rayonnement par l’artiste tout au long de sa vie.

En avril 1953, Soulages s’adresse dans une conférence au Collège philosophique de Paris, transmettant ainsi la complexité de ses réflexions sur son processus et sa conception de l’espace : « Je peux dire que je n’apprends vraiment ce que je cherche qu’en peignant. L’espace est évidemment mêlé à cette expérience, mais cela d’une manière qui, parce qu’elle n’obéit pas à une théorie préétablie comme la perspective, m’est impossible à prévoir, trop liée qu’elle est à la poésie que je veux voir se faire jour sur ma toile et qui est fonction de tous les autres éléments de la peinture.* » La peinture actuelle illustre notamment à la fois l’approche expérimentale de l’artiste pour définir l’espace pictural et la sensibilité poétique qu’il a    apportée à son art.

L’année 1953 a été charnière pour Soulages, un moment clé qui l’a amené à la maturité en tant qu’artiste et a offert à son travail une reconnaissance internationale considérable. Au cours de l’année, Soulages a peint onze toiles verticales à grande échelle de 195 sur 130 cm. Sur ces onze, neuf seulement existent encore. (Deux des onze tableaux ont été perdus – l’artiste a choisi de détruire Peinture 195 x 130 cm, 21 août 1953 en 1957, tandis que Peinture 195 x 130 cm, 25 juillet 7 août 1953 a été brûlée dans un incendie tragique au Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro en 1978.) Se rapprochant à l’échelle humaine, ces peintures de deux mètres de haut peuvent être considérées comme les plus ambitieuses de cette époque du travail de Soulages. Parmi ceux-ci, six qu’il a créés au cours d’une période productive de quatre mois entre la mi-avril et le début août 1953 sont définis par des traces de pinceau noires verticales audacieuses recoupées par des traces diagonales ou curvilignes et un sens complexe de la superposition spatiale. Soulages a utilisé la même palette pour ces six œuvres, ajoutant du brun, de l’ocre et du blanc (et dans un cas du rouge) pour accentuer et définir les effets du pigment noir qui est resté l’élément déterminant de son œuvre, il a continué jusqu’à nos jours avec ses peintures Outrenoir. Avec leur utilisation de couches brunes et complexes, ces peintures revisitent les œuvres de brou de noix que Soulages avait créées avec cette teinture de noyer à la fin des années 40.

Comme l’a noté Pierre Encrevé, confident de longue date de Soulages et éditeur de son catalogue raisonné, ces onze grands tableaux verticaux de 1953 ont été déterminants pour le développement de l’artiste et sa reconnaissance internationale à l’époque. Il les peint malgré les réserves de son marchand parisien Louis Carré, qui l’a poussé à réaliser des toiles de moyenne dimension pour des considérations commerciales. Alimentées par son désir de créer des peintures à grande échelle qui offrent un grand impact visuel, ces œuvres conduiront à la rupture de Soulages avec Carré, et ont été essentielles pour lancer son succès international, car elles ont été rapidement acquises par d’éminentes collections institutionnelles du monde entier. De ces six grandes toiles, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 reste le seul tableau en mains privées. Les peintures restantes sont conservées par les principaux musées, dont le Musée Ludwig de Cologne (Peinture 195 x 130 cm, 14 avril 1953), le Musée Solomon R. Guggenheim, New York (Peinture 195 x 130 cm, mai 1953), la Tate, Londres (Peinture 195 x 130 cm, 23 mai 1953), le Centre Pompidou, Paris (Peinture 195 x 130 cm, 2 juin 1953) et le Museu de Arte moderna do Rio de Janiero (Peinture 195 x 130 cm, 25 juillet – 7 août 1953, perdu dans un incendie en 1978, comme mentionné ci-dessus).

Chronologiquement la première de cet ensemble, Peinture 195 x 130 cm, 14 avril 1953 du Musée Ludwig’s est la seule qui comprend un rouge saturé, que l’artiste a intégré dans un fourré dense de traces noires accentuées par un périmètre de blanc qui agit comme le socle de la peinture. Les trois toiles suivantes, que Soulages a peintes de mai à juin, partagent une structure architectonique de traces de pinceau noires dans des configurations verticales, horizontales et diagonales placées sur des passages définis de blanc, brun et ocre. En comparant ces œuvres, on peut observer comment l’artiste a développé son approche de ces grands tableaux. Dans la peinture du Guggenheim 195 x 130 cm, mai 1953, la peinture de la Tate 195 x 130 cm, 23 mai 1953, Soulages a utilisé un schéma de composition connexe de lignes noires, lui permettant d’expérimenter les différences de valeur et de teinte et le sentiment de lumière intérieure qui en résulte, clé de ces peintures. Ensemble, ces toiles interagissent avec la palette limitée et les effets spatiaux de Picasso et du cubisme analytique de Braque, adaptant les leçons du modernisme du début du XXe siècle à travers l’approche gestuelle non représentative à laquelle Soulages s’est engagé.

La comparaison entre Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 et les autres tableaux de ce groupe est éclairante. Lors de la création de l’œuvre actuelle, Soulages a ouvert la composition et a renoncé au réseau de traits de pinceau verticaux et horizontaux, substituant des lignes courbes aux traits droits des peintures antérieures. Ces innovations ont abouti à une composition particulièrement dynamique ; ses traits de pinceaux variés retiennent la surface de la toile tandis que les plans en couches de sa composition suggèrent simultanément une sensation de profondeur et lui imprègnent une lumière intérieure rayonnante. Comme Encrevé l’a noté à propos de chacune de ces peintures, « dans le grand format, la dispersion de la lumière contribue à sa monumentalité et à son intériorité ». En effet, le sens de la monumentalité et de l’intériorité dans Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 en fait une pièce remarquable dans l’œuvre de Soulages. Le drame visuel de la lumière et de l’obscurité peut être compris en termes de « chiaroscuro » – le terme classique de « clair-obscur ». La manière dont Soulages évoque un sentiment de lumière intérieure avec à la fois le drame et l’économie de moyens fait penser par exemple à Rembrandt en particulier, bien que la peinture de Soulages reste strictement non figurative.

Peints par Soulages avec une nouvelle confiance audacieuse, ces grands tableaux de 1953 puisent dans son évolution artistique au cours des six années précédentes. À partir de 1947, Soulages a commencé à créer des œuvres sur papier avec une teinte de brou de noix, attirées par la matérialité du médium, la profondeur de la teinte et les possibilités d’effets en couches de transparence et d’opacité. Il a également commencé à utiliser des outils non conventionnels, notamment des grattoirs, des éponges et des pinceaux de peinture en bâtiment, et un morceau de caoutchouc qu’il a placé sur une bande de bois qu’on appelle boiteux ou lame. Dans ce groupe de peintures à grande échelle de 1953, Soulages s’inspire de ces premières œuvres sur papier de la fin des années 40, tirant leur approche gestuelle de leur transparence et de leur espace en couches. La peinture 193,4 x 129,1 cm (1948-1949), une œuvre de la collection du Museum of Modern Art de New York, revêt une importance particulière en tant que précédent. Avec cette peinture antérieure, Soulages a étendu son travail à la même grande échelle à laquelle il retournera en 1953. De manière critique, dans Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 Soulages a revisité son utilisation des lignes courbes que l’on retrouve dans la peinture du MoMA, donnant des peintures ouvertes et des compositions dynamiques.

La période de 1948 à 1953 a également été essentielle à la reconnaissance critique et institutionnelle de Soulages. En 1948, il était le plus jeune artiste à faire partie de la Grosse Ausstellung französischer abstrakter Malerei, une grande exposition itinérante de peinture abstraite française qui a fait le tour de sept villes d’Allemagne ; une des toiles au brou de noix de Soulages a illustré l’affiche de l’exposition. La même année, James Johnson Sweeney, alors ancien conservateur du Museum of Modern Art, a visité le studio de Soulages en 1948 et a peu de temps après présenté l’artiste au directeur du musée Alfred H.Barr et à d’autres membres clés du monde de l’art américain. Sweeney allait devenir un champion du travail de Soulages.

L’année 1953 a vu un succès international accru pour Soulages, avec des effets profonds sur sa carrière, en particulier dans les Amériques. Il a participé à la deuxième Biennale de São Paulo en décembre, rejoignant ce qui est largement connu comme l’édition la plus importante de l’événement. En décembre 1953, les jeunes peintres européens ont également ouvert leurs portes au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, une exposition organisée par Sweeney, alors nouveau directeur du Guggenheim. En écrivant que les artistes européens inclus « s’affirmaient d’une manière qu’ils n’avaient pas fait depuis trente ans », Sweeney a exposé Peinture 195 x 130 cm de Soulages, mai 1953 aux côtés d’œuvres d’artistes tels qu’Alberto Burri, Hans Hartung, Georges Mathieu et Jean-Paul Riopelle, et allait acquérir la peinture pour le musée.

Dès ses premières expositions à New York, le travail de Soulages se positionne comme un homologue de l’expressionnisme abstrait américain, comme on le voit dans Painted in 1949: European and American Painters (1949) chez Betty Parsons Gallery et dans Young Painters in US and France (1950), une exposition de groupe à la Sidney Janis Gallery organisée par Leo Castelli. Dans Young Painters aux États-Unis et en France, Soulages a été jumelé directement avec Franz Kline. Les comparaisons entre Kline et Soulages sont restées persistantes, étant donné que les deux artistes ont travaillé dans des modes gestuels avec une palette à prédominance noire. Bien que Kline et Soulages aient utilisé des gestes calligraphiques pour créer une infrastructure architectonique dans leurs peintures, leurs propos diffèrent. Plutôt que de privilégier le geste du pinceau en charge de lui-même, Soulages considérait la gestualité du pinceau comme un élément parmi d’autres moyens pour créer une composition unifiée. Comme Soulages le dira plus tard : « Le geste n’a pas beaucoup d’importance pour moi. Ce qui m’intéresse, c’est ce que ce geste produit sur la toile : cette trace peinte sur la toile, qui a ses propres propriétés physionomiques uniques car aucune touche ne ressemble à une autre. Cette touche, cette trace, ont de réelles qualités spécifiques, un certain contour, une longueur, une épaisseur, une matérialité . . . Lorsque vous voyez un gros coup de pinceau courir sur trois mètres de toile, vous pouvez sentir l’action dont il est originaire. Mais ce geste est incarné dans la toile et ce qui m’intéresse n’est pas l’action mais son incarnation picturale. » Cette compréhension de la création artistique diffère de la philosophie de la New York School et différencie le travail de Soulages de celui de Kline et de ses compatriotes américains.

L’extraordinaire sens de la lumière intérieure, de l’organisation planaire et de la différenciation de l’espace par une utilisation subtile des couleurs et des tons dans Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 rappelle également le travail d’un autre maître de la New York School : Mark Rothko, qui était l’ami et le collègue de Soulages. Comme Rothko, Soulages évite les titres descriptifs de ses œuvres, pensant que ceux-ci nuiraient à l’expérience purement visuelle qu’implique la perception de ses tableaux. En outre, la création par Soulages de grandes peintures qui utilisent l’impact de l’échelle pour envelopper le spectateur offre une autre similitude avec le travail de Rothko, qui affirmait que « Peindre une petite image, c’est se placer en dehors de votre expérience, regarder une expérience comme une vue stéréoscopique ou avec un verre réducteur. Cependant, si vous peignez une image plus grande, vous y êtes. Ce n’est pas quelque chose que vous commandez. »

Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 a joué un rôle important dans la définition des contributions européennes à la peinture contemporaine aux États-Unis, notamment dans la région de Boston, grâce à son premier propriétaire : Lester H. Dana. Dana était un fervent collectionneur d’art d’avant-garde internationale et administrateur de l’Institut d’art contemporain de Boston. Le directeur de l’Institut, Sue M. Thurman, l’a décrit comme « un collectionneur d’artistes » qui a recherché les artistes qu’il a collectionnés et les a connus ainsi que leur travail. Avec Soulages, Dana a acquis des œuvres importantes de Francis Bacon, Alberto Burri, Sam Francis, Adolph Gottlieb, Georges Mathieu, Matta et Zao Wou-Ki, entre autres.

À la suite de l’acquisition de Dana, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 a été incluse dans trois expositions importantes présentées par les institutions artistiques les plus progressistes de la région au début des années 1960. En 1961, il a été exposé dans A Century of Modern European Painting, l’exposition inaugurale du Rose Art Museum de l’Université Brandeis à Waltham, Massachusetts – une institution qui allait rapidement s’imposer comme une voix influente qui faisait la promotion de l’art contemporain aux États-Unis.

En 1962, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 est présentée dans une exposition Soulages au Massachusetts Institute of Art, la première manifestation consacrée au travail de l’artiste aux États-Unis. En tant que première œuvre incluse dans l’exposition du MIT, cette peinture a défini un point de départ pour l’œuvre de Soulages dans cette exposition solo. Une présentation de l’artiste déclare : « Son travail a été largement exposé et a été considéré comme une part importante de l’art contemporain – inclus dans la plupart des collections de musées et collections privées », le texte de l’exposition a en outre noté que « les critiques ont décrit le dernier travail de Soulages en termes de traces audacieuses et autoritaires ou des « planks » de peinture qui structurent l’espace de la toile. »

Plus tard en 1962, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 a été exposée à l’Institut d’art contemporain de Boston dans une exposition commémorative de la collection Dana après le décès inattendu du collectionneur. Avec une autre peinture de Soulages de 1955, l’œuvre actuelle a été présentée avec une sélection d’art contemporain américain et européen qui a marqué le goût averti et aventureux de Dana. Cette exposition – qui a eu lieu il y a 58 ans – a marqué la dernière fois que le présent travail a été vu publiquement jusqu’à la présentation actuelle.

En plus de sa relation avec l’art américain d’après-guerre, l’art asiatique a eu une profonde influence sur Soulages. Le peintre avait un grand respect pour la peinture et les traditions calligraphiques de l’Asie de l’Est. Au début de sa carrière, il a fait le lien entre son travail et les formes idéographiques de la calligraphie chinoise, en notant : « J’ai fait des combinaisons de lignes qui ont frappé l’œil du spectateur comme une grande forme, un grand signe que vous pourriez voir d’un coup et un beau jour, j’ai réalisé que les dessins que je faisais rappelaient les caractères chinois. »

Le lien entre Soulages et ses contemporains asiatiques s’est révélé mutuellement gratifiant. Cela s’est manifesté le plus profondément dans ses relations avec deux artistes chinois qui ont fait leur carrière principalement en France : Chu Teh-Chun et Zao Wou-Ki. Soulages était particulièrement proche de Zao, avec un fort sentiment de camaraderie et un respect mutuel qui ont été maintenus tout au long de leur vie. Zao a déménagé de Chine à Montparnasse à Paris en 1948 et s’est rapidement lié d’amitié avec Soulages. Les deux passeront du temps l’un avec l’autre aux États-Unis, se retrouvant à New York en 1957 et voyageant à travers les États-Unis et Hawaï au cours de l’année 1957, avant de se rendre au Japon. Soulages présentera Zao à son galeriste Samuel Kootz, amenant ainsi Kootz à représenter le peintre sino-français aux États-Unis, avec six expositions organisées de 1959 à 1965.

En 1992, Pierre Soulages recevra le Praemium Imperiale pour la peinture de la Japan Art Association. Deux ans plus tard, Zao Wou-Ki recevra cet honneur prestigieux. Les réalisations de Soulages ont été reconnues en Asie, notamment avec une rétrospective de 1984 au Seibu Museum of Art de Tokyo et une rétrospective de 1993 qui s’est tenue au Musée national d’art moderne et contemporain de Séoul, au Musée des Beaux-Arts de Pékin et au Musée des Beaux-Arts de Taipei.

Lévy Gorvy est honoré d’apporter cette peinture rare à Hong Kong. Œuvre vitale et essentielle dans la compréhension de la carrière de Soulages. Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 amène également à faire un rapprochement important pour l’exposition à l’ensemble des peintures Outrenoir. Artiste toujours actif à l’âge de 100 ans, Soulages, personnage que le philosophe Alain Badiou a qualifié de « contemporain éternel », a offert une continuité extraordinaire au sein de son œuvre.

* repris du texte original