Soulages og Danmark – Andrea Rygg Karberg

Publié le 3 décembre 2020.

Pierre Soulages’ førnævnte udsmykningsopgave til Musikhuset i Aarhus har sin baggrund i, at Danmark meget tidligt i Soulages’ kunstnerliv så prompte tog ham til sig. Det var af stor og uforglemmelig betydning for den unge maler.

Det startede med, at kunsthistorikeren Haavard Rostrups rejste til Paris i 1949 for at forberede en vigtig udstilling af tidens bedste franske kunst til det danske publikum. Rostrup så ved denne lejlighed tilfældigvis Soulages’ allerførste separatudstilling. Han tog forbi den flere gange – for til slut at blive overbevist om, at denne unge ukendte kunstner skulle med på den danske udstilling. Derved blev Soulages for første gang præsenteret for det danske publikum med en større ophængning på Rostrups skelsættende udstilling, Levende Farver, der blev vist på Charlottenborg i 1950. Udstillingen fik et væld af besøgende, ikke mindst yngre danske kunstnere, der hungrede efter at se det nyeste franske efter den manglende ajourføring under besættelsen. Næppe var udstillingen åbnet, før den unge danske maler Mogens Andersen hørte, at her var billeder af en ung franskmand, der havde noget tilfælles med hans egne. De to kunstnere skulle senere udvikle et langt venskab.

Året efter, i 1951, fandt Soulages’ anden separatudstilling sted, hos Børge Birch i København. Soulages og hans hustru Colette opholdt sig i denne forbindelse en måned i Danmark, hvor de bl.a. besøgte Bornholm. Det var deres første udlandsrejse efter krigen. Så godt som alle værker på udstillingen blev solgt til private. Den første samler nogensinde, der købte et værk af Soulages, var således en læge fra Århus10. Som led i tidens kunstdebat, roste Pola Gauguin i Ekstrabladet udstillingen for at vise, ”at nonfigurativt maleri ikke blot er en formålsløs leg med form og farve, men rummer mange sporer til kunstens udvikling. Det er dog en afgørende betingelse, at den ikke kører sig fast i en smuk dekorativ form, men stræber efter at naa frem til en rytmisk spænding, der kan give udtryk for et indre liv.” 11

I 1963 var det igen Haavard Rostrup, der stod for ophængning og en katalogartikel, da Foreningen Fransk Kunst arrangerede en stor og væsentlig retrospektiv Soulages udstilling med omkring 100 værker – længe før noget tilsvarende fandt sted i Frankrig. Udstillingen blev afholdt i malerisalene på Ny Carlsberg Glyptotek og viste primært mørke skrabede kompositioner af stor styrke og tyngde. Politiken skrev: ”Hvad denne franskmand præsterer, er renlivet malerkunst. Her tjener stof, form og farve kun ønsket om at give udtryk for oplevelser af rent visuel karakter – men det betyder jo ikke, at hans maleri bliver til en steril abstraktion. Takket være kontrasten mellem lyst og mørkt, stort og småt, tungt og let, råder han over virkemidler, som i høj grad kan påvirke vort sind. Men han tvinger os til at gå den omvej, som bliver nødvendiggjort af maleriets sprog.”12 Verden er lille – Ordrupgaards grundlægger Vilhelm Hansen var i sin tid en hovedfigur ved oprettelsen af Foreningen Fransk Kunst, og Haavard Rostrup blev siden museumsdirektør for Ordrupgaard. Rostrup bevarede livet igennem venskabet med Pierre og Colette Soulages.

Ti år senere fulgte en ny dansk Soulages udstilling op på 1963, udstillingen ved at vise 24 hovedværker fra 1969-72. Det var Lars Rostrup Bøyesen, der præsenterede international kunst i Centralsalen i Aalborgs nye Nordjyllands Kunstmuseum, otte måneder efter museets indvielse. Udstillingen i 1973 var domineret af værker i to farver – sort-blå, sort-okker eller sort-hvid. Her var vældige horisontale lærreder med eksempelvis vibrerende blå forløb og store sorte enkelt svungne tegn på lyst lærred. Monumental styrke – eller en ny afklaret enkelhed og tilsyneladende lethed. En anmelder sagde rammende: ”Tilsyneladende er hans billeder lette at gå til i kraft af deres enkle dekorative virkning, men også kun tilsyneladende. I realiteten har de et slags indbygget to-trins-raketsystem, hvor det andet trin åbenbarer den indre spænding og nerve, der gør dem til bevægende kunst.”13

Berlingske Tidende mente, at Soulages ”næppe, nogetsteds, [havde] haft så vellykket en ophængning.” Aalborg havde nu fået ”verdens formentlig p.t. bedste museum for bildende kunst”, hvorimod man i København ”i snart halve århundreder” havde ”efterlyst bedre udstillings og museumsforhold” – og den roste Soulages udstilling måtte efterfølgende vises for hovedstadens publikum på Gentofte Rådhus.14

I 1979 udstillede Soulages igen hos Børge Birch, hvorfra Rostrup Bøyesen erhvervede det ene af kunstnerens tre bronzerelieffer til Nordjyllands Kunstmuseum. I betragtning af, hvor mange værker af Soulages, der findes i dansk privateje, er det påfaldende lidt, der er trængt ind i landets offentlige samlinger. Udover bronzerelieffet er der et oliemaleri og en gouache på Statens Museum for Kunst samt et enkelt litografi i Kobberstiksamlingen.

Til gengæld fik Danmark i 1982 Soulages’ rumudsmykning til foyeren i Musikhuset i Aarhus, af arkitekten Johan Richter, hvilket oprindeligt var Mogens Andersens ide. Værket består af tre gange fem kvadratiske trækasser (113 x 113 x 10 cm) bemalet med akrylmaling, der er ophængt som tre lodrette kolonner i kabler ude i rummet. Værket var fra begyndelsen tiltænkt netop dette rum – de kvadratiske trækasser afspejler de mange kvadrater i arkitekturen, de tre kolonner rummets mange hvide søjler, og en af de benyttede farver, den brun-gule, matcher bygningens mursten. Afstanden mellem disse to kolonner er nøje indtænkt i kompositionen, således at mellemrummene inddrages og får betydning.

Samtidig med indvielsen af Musikhuset i 1982, fandt en stor retrospektiv Soulages udstilling sted. Den fyldte med sine 54 værker først hele Kunstbygningen i Aarhus og blev ledsaget af et katalog med tekster af Mogens Andersen og Pierre Soulages. (Samtidig viste Aarhus Kunstmuseum værker af de andre kunstnere repræsenteret i Musikhuset, Mogens Andersen, Richard Mortensen og Jean Arp). Udstillingen vistes efterfølgende på Kunstpavillonen i Esbjerg og til slut på Charlottenborg i København, hvor danskerne jo oprindeligt blev introduceret til Soulages i 1950. I kølvandet fulgte mange fine anmeldelser. Berlingske Tidende roste kunstnerens sikkerhed: ”[…] maleren har også en sådan tro på sine indskydelser, at hans tillid næsten af sig selv forplanter sig til tilskueren. I billederne siger han, at det skal være netop på den måde og ikke så meget som et strøg anderledes. I sin kunst taler han til os med den videndes autoritet.”15 Informations anmelder fremhævede Soulages som ”en gammel kending og ven af Danmark”, ”Det både tunge og kropslige i hans brede strøg appellerer til vore begreber om håndværk og ærlighed og det poetiske i farvens dybe klange går os til hjertet.”16 Denne udstilling gav et bredt overblik og introducerede nogle af de nye outrenoir-malerier. I bagklogskabens lys er det pudsigt at læse denne bemærkning: ”Om den interesse for effekten af forskellige overfladestrukturer, som ses i en række sorte billeder fra de seneste år, rummer værdier udover de iøjnefaldende og dekorative, skal være usagt.”17 Et åbent spørgsmål – som i dag nok må besvares med, at netop disse malerier har skabt Soulages’ andet internationale gennembrud som en førende kunstner i vores samtid via hans implicitte forståelse af værkets interaktivitet.

Soulages’ værker er endvidere blevet vist på et væld af gruppe og temaudstillinger i Danmark, eksempelvis De Franske på Frederiksberg Rådhus i 1958, Fremmed Kunst i Dansk Eje på Louisiana i 1964, De frie kunstnere på Den Frie Udstilling og på Nordjyllands Kunstmuseum i 1974, Paris-København på Den Frie i 1981 og Dansk-Franske kunstforbindelser i det 20. århundrede på Sophienholm i 1996.

Ordrupgaards tidligere direktør, Hanne Finsen, mødte Soulages i 1950erne i Paris, og i hendes udstilling på Statens Museum for Kunst (i det daværende Anneks på Kastelsvej) i 1967, Hyldest til fransk kunst fra Courbet til Soulages, gav hun ham i titlen en fornem plads. Til sin Matisseudstilling i 1970 bad hun endvidere Soulages skrive en tekst til kataloget om Matisse, der også er en nøgle til forståelsen af Soulages’ egen kunst.

Nærværende udstilling på Ordrupgaard er priviligeret af at kunne vælge frit fra 60 års kunstneriske frembringelser. Den har aldrig været tænkt som en retrospektiv udstilling, den er ikke kronologisk, men alle Soulages’ væsentligste typer af maleriske kompositioner er alligevel repræsenteret.

Ordrupgaards udstilling er skabt specifikt til den nye særudstillingssal, med dens varierende loftshøjde, skæve vinkler og to svagt hældende vægge, og er næsten at betragte som en installation. Soulages er inderligt interesseret i arkitektur, og ophængningen og værkudvalget er skabt ud fra en model af salen, som han ofte har for vane.

Anne-Birgitte Fonsmark er således nu den tredje direktør for Ordrupgaard, der bidrager til at knytte Soulages til landet ved at iværksætte nærværende udstilling på Danmarks fransk-danske kunstmuseum par excellence. Ordrupgaard kan nu endelig i kraft af den nye tilbygning vise en Soulages udstilling, knap et kvart århundrede efter den forrige i landet.

NOTER

Soulages og Danmark

10. Garde, C.F.: ‘Den sorte farves mester’, in: Aarhus Stiftstidende, 4.7. 1982
11. Gauguin, Pola: ‘Den Franske Kunstner Pierre Soulages’, in: Ekstrabladet, 27.8. 1951
12. Engelstoft, Bertel: ‘En sort messe’, in: Politiken, 5.5. 1963
13. Bache, Renal: ‘Forskellige som nat og dag’, in: Aalborg Stiftstidende, 25.2. 1973
14. Raae, Paul: ‘I Aalborg forstår de at vise kunst’, in: Berlingske Tidende, 7.3. 1973
15. Jespersen, Gunnar: ‘Soulages’ enkle tegn’, in: Berlingske Tidende, 20.11. 1982
16. Sutton, Gertrud Købke: ‘Maleriet som poetisk oplevelse’, in: Information, 4.-5.12. 1982
17. Sutton, Gertrud Købke: Op.cit.

Soulages et le Danemark – Andrea Rygg Karberg

Publié le 3 décembre 2020.

La commande à Pierre Soulages de l’œuvre mentionnée ci-dessus pour la Maison de la Musique à Aarhus, tient à ce que le Danemark, dès les débuts de son parcours d’artiste, avait adopté Soulages, un soutien qui fut d’une signification inoubliable pour le jeune peintre.

Tout avait commencé lorsque l’historien de l’art Haavard Rostrup s’était rendu à Paris en 1949 pour préparer une grande exposition au Danemark sur ce que l’art français contemporain produisait de meilleur. Au cours de ce séjour, Rostrup vit par hasard la première exposition personnelle de Soulages. Il y passa plusieurs fois – et fut finalement convaincu que ce jeune artiste inconnu devait participer à l’exposition. Aussi Soulages fut-il pour la première fois présenté au public danois, avec deux toiles, lors de cette importante exposition, Couleurs vivantes, que Rostrup organisa à Charlottenborg en 1950. Il y vint énormément de monde, et notamment les jeunes artistes danois qui avaient soif de connaître la nouvelle expression artistique française après les années d’enfermement de l’occupation. Peu après l’ouverture, Mogens Andersen apprit qu’il s’y trouvait des tableaux d’un jeune Français qui avaient certains points communs avec les siens, et les deux artistes allaient ensuite développer une longue amitié.

L’année suivante, en 1951, la deuxième exposition personnelle de Soulages eut lieu à la galerie Børge Birch à Copenhague. À cette occasion, Soulages et sa femme Colette séjournèrent pendant un mois au Danemark, où ils visitèrent entre autres l’île de Bornholm. C’était leur premier voyage à l’étranger depuis la guerre. Quasiment tous les tableaux de l’exposition furent vendus à des particuliers. Le tout premier collectionneur qui fit l’acquisition d’une œuvre de Soulages fut ainsi un médecin d’Aarhus.10 Pola Gauguin fit dans Ekstrabladet l’éloge de l’exposition, soulignant, au coeur du débat artistique de l’époque, combien celle-ci révélait que “la peinture non-figurative n’était pas seulement un jeu gratuit sur la forme et la couleur, mais ouvrait des voies pour l’évolution de l’art. À la condition impérative, cependant, qu’elle ne se fige pas dans une belle forme décorative, mais aspire à une tension rythmique, susceptible d’exprimer la vie intérieure.”11

En 1963, Haavard Rostrup eut de nouveau la responsabilité de l’accrochage, ainsi que d’un article de catalogue, lorsque “Foreningen Fransk Kunst”, l’Association Art Français, organisa une grande exposition rétrospective sur Soulages, réunissant environ cent de ses œuvres – bien avant que cela n’eût été fait en France. Elle eut lieu dans les salles de peinture de la Ny Carlsberg Glyptotek et présentait essentiellement des compositions sombres, à la lame, de grande force et poids. On put lire dans Politiken : “La prestation de ce Français est de la pure peinture. Ici matière, forme et couleur ne servent qu’à exprimer un vécu de caractère purement visuel – ce qui ne signifie pas que sa peinture soit de l’abstraction stérile. Grâce au contraste entre le lumineux et l’obscur, le grand et le petit, le lourd et le léger, il maîtrise des effets particulièrement à même d’influer sur notre esprit. Mais il nous force à faire le détour que rend nécessaire le langage de la peinture.”12 Le monde est petit : le fondateur d’Ordrupgaard, Wilhelm Hansen, fut en son temps une figure centrale de l’Association Art Français, et Haavard Rostrup allait plus tard devenir le conservateur d’Ordrupgaard. Rostrup resta d’ailleurs toute sa vie un ami de Pierre et de Colette Soulages.

Dix ans plus tard, une nouvelle exposition danoise consacrée à Soulages fit suite à l’exposition de 1963, en réunissant vingt-quatre œuvres essentielles de la période 1969-1972. Lars Rostrup Bøyesen présentait alors l’art international dans la salle L’exposition de 1973 était dominée par des œuvres à deux couleurs – noir-bleu, noir-ocre ou noir-blanc – par des immenses toiles horizontales avec entre autres de vibrants développements de bleus, et par des toiles claires aux grands signes noirs fluctuants. Une force monumentale – ou une nouvelle simplicité et légèreté apparentes. Un critique souligna de façon pertinente : “En apparence, ses peintures sont d’accès facile en raison de leur simple effet décoratif, mais ce n’est qu’une apparence. En réalité, elles possèdent une sorte de système de fusée à deux étages, le deuxième temps révélant la tension et la nervosité intérieures qui en font un art émouvant.” 13

Dans Berlingske Tidende, on put lire que Soulages n’avait “sans doute jamais bénéficié d’un accrochage aussi réussi.” Aalborg avait à présent été doté du musée “sans doute le plus adapté du monde à l’art pictural”, alors qu’à Copenhague “pendant près d’un demi-siècle” on avait “réclamé de meilleures conditions d’exposition et de meilleurs musées” – et l’exposition acclamée de Soulages dut ensuite être montrée au public de la capitale à la mairie de Gentofte.14

En 1979, Soulages exposa de nouveau à la galerie Børge Birch, où Rostrup Bøyesen fit l’acquisition d’un des trois reliefs en bronze de l’artiste pour le Nordjyllands Kunstmuseum. En considération du nombre d’œuvres de Soulages qui se trouvent dans des collections privées danoises, il est étonnant que si peu d’entre elles aient trouvé le chemin des collections publiques du pays. Outre le relief en bronze, on peut voir une peinture à l’huile et une gouache au Statens Museum for Kunst et une lithographie à ‘Den Kongelige Kobberstiksamling’.

Par contre, sur une proposition de Mogens Andersen, le Danemark fit mettre en œuvre en 1982 la commande pour le foyer de la Maison de la Musique d’Aarhus, de l’architecte Johan Richter. L’œuvre se compose de trois fois cinq caisses de bois quadrangulaires (113x113x10cm), peintes à la peinture acrylique et suspendues en trois colonnes verticales par des câbles. L’œuvre a été réalisée spécialement en fonction de la salle – les caisses de bois quadrangulaires reflétant les nombreux quadrilatères de l’architecture, les trois colonnes faisant écho aux nombreux piliers blancs, et une des couleurs utilisées, le brun jaune, étant en harmonie avec les briques du bâtiment. La distance entre les colonnes est soigneusement prise en compte dans la conception, de sorte que l’espacement, inclus dans l’œuvre, est significatif.

Simultanément à l’inauguration de la Maison de la Musique, en 1982, se déroula une grande rétrospective Soulages. Réunissant (cinquante-quatre) œuvres, elle occupait entièrement le Kunstbygning (Maison des Arts) d’Aarhus. Les textes du catalogue étaient écrits par Mogens Andersen et Pierre Soulages. En même temps, Aarhus Kunstmuseum (Musée des Beaux-Arts) présentait des œuvres d’autres artistes représentés à la Maison de la Musique, Mogens Andersen, Richard Mogensen et Jean Arp. L’exposition Soulages fut ensuite montrée au Kunstpavillonen à Esbjerg et finalement à Charlottenborg à Copenhague, où les Danois avaient été initiés à Soulages en 1950. Elle reçut de nombreuses critiques élogieuses. Berlingske Tidende souligna la maîtrise de l’artiste : “[…] le peintre a une telle foi en son intuition que sa confiance se transmet au spectateur. Dans ses peintures, il affirme que tout, à une touche près, doit être précisément comme ça et pas autrement. Dans son art, il nous parle avec l’autorité de celui qui sait.”15 Le critique de Information fit ressortir que Soulages était “une ancienne connaissance et un ami du Danemark”, “Le caractère à la fois lourd et corporel de ses touches en appelle à nos propres notions sur l’artisanat et l’honnêteté, et la poésie contenue dans le timbre profond de la lumière parle directement à notre coeur.” L’exposition offrait une vaste vue d’ensemble de l’œuvre et introduisait quelques-unes des nouvelles peintures outrenoir. À distance, il est amusant de lire cette remarque : “Sur la question de savoir si l’intérêt pour les effets de diverses structures de surface, visible dans une série de peintures noires de ces dernières années, est porteur d’autres valeurs que celles évidentes et décoratives, nous ne nous prononcerons pas”.16 Une question ouverte, donc – à laquelle on peut sans doute répondre aujourd’hui que ces peintures-là, justement, provoquèrent la deuxième percée internationale de Soulages comme artiste majeur de notre temps, en raison entre autres de sa compréhension implicite de l’interactivité de l’œuvre.

Outre les expositions mentionnées, Soulages a au cours des ans participé à une quantité d’expositions collectives ou thématiques au Danemark, entre autres Les Français, à la mairie de Frederiksberg en 1958, Art étranger dans les collections danoises à Louisiana en 1964, Les Artistes libres à Den Frie Udstilling et à Nordjyllands Kunstmuseum en 1974, Paris-Copenhague à Den Frie Udstilling en 1981 et Relations artistiques franco-danoises au XXe siècle à Sophienholm en 1996.

La précédente conservatrice d’Ordrupgaard, Hanne Finsen, avait rencontré Soulages dans les années 1950 à Paris et, pour l’exposition qu’elle présenta au Statens Museum for Kunst (dans l’ancienne annexe de Kastelsvej) en 1967, elle lui accorda une place d’honneur dans l’intitulé même : Hommage à l’art français de Courbet à Soulages. Lorsqu’elle organisa une exposition sur Matisse en 1970, elle demanda à Soulages d’écrire un texte pour le catalogue, texte qui donne également une clef pour l’art de Soulages lui-même.

L’exposition actuelle d’Ordrupgaard a le privilège d’avoir pu choisir librement dans soixante années de production. Elle n’est pas conçue comme une rétrospective, elle n’est pas non plus chronologique, mais tous les genres essentiels de Soulages y sont malgré tout représentés.

L’exposition d’Ordrupgaard a été créée spécialement pour la nouvelle salle des expositions temporaires, avec ses hauteurs de plafond variées, ses angles obliques et ses murs inclinés, et elle peut pratiquement être considérée comme une installation. Soulages est particulièrement intéressé par l’architecture, et, comme il le pratique souvent, il a conçu l’accrochage et le choix des œuvres à partir d’une maquette de la salle.

Anne-Birgitte Fonsmark se trouve ainsi être la troisième conservatrice d’Ordrupgaard à contribuer à nouer des liens entre Soulages et notre pays en réunissant ses œuvres dans ce qui est, au Danemark, le musée franco-danois par excellence. Et Ordrupgaard peut enfin, grâce à sa nouvelle extension, proposer une exposition sur Soulages, à peine un quart de siècle après la dernière qui ait eu lieu au Danemark.

NOTES

10. Garde, C.F. : ‘Den sorte farves mester’ (‘Le Maître de la couleur noire’), in : Aarhus Stiftstidende, 4.7. 1982

11. Gauguin, Pola : ‘Den Franske Kunstner Pierre Soulages’ (‘L’Artiste français Pierre Soulages’), in : Ekstrabladet, 27.8. 1951

12. Engelstoft, Bertel : ‘Une messe noire’, in : Politiken, 5.5. 1963

13. Bache, Renal : ‘Forskellige som nat og dag’ (‘Aussi différents que la nuit et le jour’), in : Aalborg Stiftstidende, 25.2. 1973

14. Raae, Paul : ‘I Aalborg forstår de at vise kunst’ (‘A Aalborg ils s’entendent à exposer de l’art’), in : Berlingske Tidende, 7.3. 1973

15. Jespersen, Gunnar : ‘Les signes simples de Soulages’, in : Berlingske Tidende, 20.11. 198216. Sutton, Gertrud Købke : Op.cit

Anne-Camille Charliat, sur le site

Publié le 26 novembre 2020.

Anne-Camille Charliat est Docteur en philosophie de l’Université Paris Sorbonne et diplômée d’un master en Histoire de l’art.

Le Chat visite le musée Soulages

Publié le 29 octobre 2020.

Musée Soulages, Rodez, 24 octobre 2020 – 9 mai 2021

Le visiteur va parcourir le musée en compagnie du Chat de Philippe Geluck, félin cravaté qui squatte à sa manière depuis bien longtemps le monde de l’art. On peut parler de traits d’union, d’ellipses éducatives…

Télécharger La Gazette du Chat

Musée Soulages
Jardin du Foirail, avenue Victor Hugo
12000 Rodez
France

Olivier Margot, écrits sur Soulages et le rugby

Publié le 6 octobre 2020.

Olivier Margot a été rédacteur en chef à L’Équipe et à L’Équipe Magazine durant 25 ans.

Troisième donation Pierre et Colette Soulages au Musée Soulages

Publié le 8 septembre 2020.

Courtesy musée Soulages :

En juillet 2020, Pierre et Colette Soulages font part d’une nouvelle marque de générosité à l’égard du musée Soulages en effectuant une importante et généreuse donation :
– un ensemble de 18 peintures sur papier (les célèbres brous de noix dès 1946 et aussi des gouaches, fusain ou encre sur papier)
– 5 grandes toiles emblématiques de 1949 à 2000
– et le vase de Sèvres réalisé avec les ateliers de Sèvres en 2000.

Soleil agissant, Sol agens, Soulages par Jean-Yves Tayac

Publié le 17 août 2020.

Préface

de Benoît Decron,
Conservateur en chef du patrimoine, musée Soulages, Rodez

[…]
Jean-Yves Tayac a rencontré Pierre Soulages il y a quelques années. Ils échangèrent immédiatement sur l’art et la poésie, dans la maison de Sète. Ayant déjà publié des recueils de poésie, Tayac avait écrit des poèmes en vers libres sur les œuvres du peintre, notamment les eaux-fortes, les brous de noix et les peintures Outrenoir. Il les montra au peintre et lui laissa son manuscrit.
Son univers est fait d’instants précis et d’impressions sublimées : de l’art de l’esquive et du swing, comme Georges Carpentier, du cadrage-débordement parfait, comme Vincent Clerc. Tayac est l’exemple même de l’homme contemporain qui dans ses actes mêle sport et culture, sans ambiguïté et en toute sincérité. Son univers professionnel, l’enseignement et la médiation du sport de haut niveau, ne pouvait s’épanouir sans le secours de la pensée et de la philosophie. Un archer ne s’est jamais contenté d’envoyer une flèche. Un samouraï, sabre en main, ne fait pas de pantomime absconse… Tayac sait que Les mémorables échappées cyclistes tiennent davantage de l’héroïsme et de la stratégie, de l’Illiade et l’Odyssée en somme, que des tenues multicolores ou de la pharmacie. L’écriture et le sport sont des mécaniques de précision, autant que des émotions.
On peut toujours envoyer des pointeroles dans un but vide…
Les poèmes de Jean-Yves sont à la fois ronds et pointus, lumineux et sombres, vifs ou retenus. Sa manière d’écrire relève de la chorégraphie, tout en mouvements et en pauses. Les poèmes expriment sa sensibilité face aux œuvres de Soulages qui furent pour lui à Sète et au musée Soulages, comme des révélations. Ce sont des lignes de force, des liens entre l’artiste, ses œuvres et lui-même, son histoire personnelle : que lui apporte cette contemplation ? Le monde de l’histoire de l’art se repaît de définitions, s’agite sous l’œil des scrutateurs. La poésie apporte au regard une ivresse qui n’existe pas dans les livres spécialisés.
Comme la tache de goudron jetée sur le mur de la rue Combarel qui fascinait tant Soulages adolescent — Est-ce un coq ? Est-ce une « pauvre salissure » ? – les poèmes sont de l’ordre de l’inexplicable, en lisière de l’ignorance et des habitudes cognitives. De là naît la force poétique, la liberté fondamentale à tout créateur : Soulages n’a cessé d’associer son œuvre à la poétisation, à l’humanisation du monde sensible. Les poèmes traduisent une vision personnelle, éloignée du commentaire ou de la description ; ils n’illustrent pas.
Il en est des mots enchainés les uns aux autres, de leur scansion à la ligne, des vides qui les séparent (le silence) comme de La peinture, des formes ramassées ou linéaires, des couleurs et noir notamment, du lien plus ou moins lâche entre eux. « Théâtre de bouche » comme disait le poète Gherasim Luca au service de l’œuvre de Soulages, comme un champ de possibles, une peinture sur laquelle jouent le hasard et la volonté.
Pour célébrer Le précieux anniversaire de Pierre Soulages, je recopie cet appel au voyage pictural de Jean-Yves Tayac :

La morsure du temps
semblable à celle que le sel inflige aux cargos
amène jusqu’à nous les océans instables
qui nous manquent toujours
qui se font désirer
Outremer
Outrenoir

Singularité, l’étrave de ta main

[…]
Enveloppé dans l’amer épiderme,
rouille liquide en sommeil
dans les sombres méandres de son devenir,
le brou de noix laisse,
sur le rivage blanc du papier,
l’empreinte étale de ses tristes pontiques,
la nostalgie de son origine,
là où l’ombre ne se laissait pas apprivoiser.

Ici nos jours parfois sont éclairés,
lorsque le brou de noix dévore la lumière,
que le sang de la terre fertilise le monde,
autour de ta maison.
[…]

L’écume du bitume

[…]
Dans ton refuge clos
où la lumière vibre le temps s’efface aussi,
dans l’immobilité des cèdres sans passé.

Tu y peins le présent,
le présent seulement,
le présent ignoré,
que ta main tisse
en labours de goudron,
dans un champ sans clôture.

Œuvre au noir qu’en silence tu tires
de la macération d’un bois fossile,
Osiris végétant son éternelle résurgence.

Éclats d’opacité,
ivres de transparence,
quand la lumière extrait
l’écume du bitume
dans le silence de ta volonté.

Cri de lumière

[…]
Au-delà du silence
il y a encore le silence.

Derrière le rideau de l’outrenoir
le noir devient lumière.

Tu es descendu,
seul et déterminé,
dans le pays des ombres,
sans guide et sans viatique,
pour nous restituer,
dans un cri de lumière,
les semences fertiles de notre humanité.

Foudre noir

[…]
Il est le soleil noir agissant sur la lumière.
Séparant de la trame un fil,
un fil plus fin que le plus fins de tes cheveux de
jais.
Il est celui qui sépare le plomb de l’or
dans l’océan primordial de nos fulgurances.

Il est l’architecte qui apprivoise les regards.

Sa main,
charpente d’un bateau,
renversée sur l’horizon
de la raison,
délivre l’inconnu.

Extraits de Soleil agissant, Sol agens, Soulages

ESSAY 專文 [traduit de l’anglais]

Publié le 16 juillet 2020.

Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953

Accrochée dans la même collection depuis plus de soixante ans, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 est une œuvre phare du plus grand artiste vivant de France, Pierre Soulages. Soulages a créé cette peinture dynamique à un moment essentiel de sa carrière alors qu’il entrait dans sa maturité stylistique. Dans cette œuvre de grande échelle, Soulages a introduit un sens du mouvement vigoureux qui est ancré par une composition puissamment structurée et imprégnée d’un sens fascinant de la lumière intérieure. Utilisant des traces de pinceau dans des teintes subtilement superposées de noir, blanc, gris et marron, il a défini des plans diagonaux orientés vers le haut et vers la droite avec des courbes subtilement reliées qui établissent des contrepoints de rythme visuel et des rimes. Abstraction résolument non figurative, la luminosité dramatique de la toile anime la peinture et souligne l’exploration de l’obscurité et du rayonnement par l’artiste tout au long de sa vie.

En avril 1953, Soulages s’adresse dans une conférence au Collège philosophique de Paris, transmettant ainsi la complexité de ses réflexions sur son processus et sa conception de l’espace : « Je peux dire que je n’apprends vraiment ce que je cherche qu’en peignant. L’espace est évidemment mêlé à cette expérience, mais cela d’une manière qui, parce qu’elle n’obéit pas à une théorie préétablie comme la perspective, m’est impossible à prévoir, trop liée qu’elle est à la poésie que je veux voir se faire jour sur ma toile et qui est fonction de tous les autres éléments de la peinture.* » La peinture actuelle illustre notamment à la fois l’approche expérimentale de l’artiste pour définir l’espace pictural et la sensibilité poétique qu’il a apportée à son art.

L’année 1953 a été charnière pour Soulages, un moment clé qui l’a amené à la maturité en tant qu’artiste et a offert à son travail une reconnaissance internationale considérable. Au cours de l’année, Soulages a peint onze toiles verticales à grande échelle de 195 sur 130 cm. Sur ces onze, neuf seulement existent encore. (Deux des onze tableaux ont été perdus – l’artiste a choisi de détruire Peinture 195 x 130 cm, 21 août 1953 en 1957, tandis que Peinture 195 x 130 cm, 25 juillet 7 août 1953 a été brûlée dans un incendie tragique au Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro en 1978.) Se rapprochant à l’échelle humaine, ces peintures de deux mètres de haut peuvent être considérées comme les plus ambitieuses de cette époque du travail de Soulages. Parmi ceux-ci, six qu’il a créés au cours d’une période productive de quatre mois entre la mi-avril et le début août 1953 sont définis par des traces de pinceau noires verticales audacieuses recoupées par des traces diagonales ou curvilignes et un sens complexe de la superposition spatiale. Soulages a utilisé la même palette pour ces six œuvres, ajoutant du brun, de l’ocre et du blanc (et dans un cas du rouge) pour accentuer et définir les effets du pigment noir qui est resté l’élément déterminant de son œuvre, il a continué jusqu’à nos jours avec ses peintures Outrenoir. Avec leur utilisation de couches brunes et complexes, ces peintures revisitent les œuvres de brou de noix que Soulages avait créées avec cette teinture de noyer à la fin des années 40.

Comme l’a noté Pierre Encrevé, confident de longue date de Soulages et éditeur de son catalogue raisonné, ces onze grands tableaux verticaux de 1953 ont été déterminants pour le développement de l’artiste et sa reconnaissance internationale à l’époque. Il les peint malgré les réserves de son marchand parisien Louis Carré, qui l’a poussé à réaliser des toiles de moyenne dimension pour des considérations commerciales. Alimentées par son désir de créer des peintures à grande échelle qui offrent un grand impact visuel, ces œuvres conduiront à la rupture de Soulages avec Carré, et ont été essentielles pour lancer son succès international, car elles ont été rapidement acquises par d’éminentes collections institutionnelles du monde entier. De ces six grandes toiles, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 reste le seul tableau en mains privées. Les peintures restantes sont conservées par les principaux musées, dont le Musée Ludwig de Cologne (Peinture 195 x 130 cm, 14 avril 1953), le Musée Solomon R. Guggenheim, New York (Peinture 195 x 130 cm, mai 1953), la Tate, Londres (Peinture 195 x 130 cm, 23 mai 1953), le Centre Pompidou, Paris (Peinture 195 x 130 cm, 2 juin 1953) et le Museu de Arte moderna do Rio de Janiero (Peinture 195 x 130 cm, 25 juillet – 7 août 1953, perdu dans un incendie en 1978, comme mentionné ci-dessus).

Chronologiquement la première de cet ensemble, Peinture 195 x 130 cm, 14 avril 1953 du Musée Ludwig’s est la seule qui comprend un rouge saturé, que l’artiste a intégré dans un fourré dense de traces noires accentuées par un périmètre de blanc qui agit comme le socle de la peinture. Les trois toiles suivantes, que Soulages a peintes de mai à juin, partagent une structure architectonique de traces de pinceau noires dans des configurations verticales, horizontales et diagonales placées sur des passages définis de blanc, brun et ocre. En comparant ces œuvres, on peut observer comment l’artiste a développé son approche de ces grands tableaux. Dans la peinture du Guggenheim 195 x 130 cm, mai 1953, la peinture de la Tate 195 x 130 cm, 23 mai 1953, Soulages a utilisé un schéma de composition connexe de lignes noires, lui permettant d’expérimenter les différences de valeur et de teinte et le sentiment de lumière intérieure qui en résulte, clé de ces peintures. Ensemble, ces toiles interagissent avec la palette limitée et les effets spatiaux de Picasso et du cubisme analytique de Braque, adaptant les leçons du modernisme du début du XXe siècle à travers l’approche gestuelle non représentative à laquelle Soulages s’est engagé.

La comparaison entre Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 et les autres tableaux de ce groupe est éclairante. Lors de la création de l’œuvre actuelle, Soulages a ouvert la composition et a renoncé au réseau de traits de pinceau verticaux et horizontaux, substituant des lignes courbes aux traits droits des peintures antérieures. Ces innovations ont abouti à une composition particulièrement dynamique ; ses traits de pinceaux variés retiennent la surface de la toile tandis que les plans en couches de sa composition suggèrent simultanément une sensation de profondeur et lui imprègnent une lumière intérieure rayonnante. Comme Encrevé l’a noté à propos de chacune de ces peintures, « dans le grand format, la dispersion de la lumière contribue à sa monumentalité et à son intériorité ». En effet, le sens de la monumentalité et de l’intériorité dans Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 en fait une pièce remarquable dans l’œuvre de Soulages. Le drame visuel de la lumière et de l’obscurité peut être compris en termes de « chiaroscuro » – le terme classique de « clair-obscur ». La manière dont Soulages évoque un sentiment de lumière intérieure avec à la fois le drame et l’économie de moyens fait penser par exemple à Rembrandt en particulier, bien que la peinture de Soulages reste strictement non figurative.

Peints par Soulages avec une nouvelle confiance audacieuse, ces grands tableaux de 1953 puisent dans son évolution artistique au cours des six années précédentes. À partir de 1947, Soulages a commencé à créer des œuvres sur papier avec une teinte de brou de noix, attirées par la matérialité du médium, la profondeur de la teinte et les possibilités d’effets en couches de transparence et d’opacité. Il a également commencé à utiliser des outils non conventionnels, notamment des grattoirs, des éponges et des pinceaux de peinture en bâtiment, et un morceau de caoutchouc qu’il a placé sur une bande de bois qu’on appelle boiteux ou lame. Dans ce groupe de peintures à grande échelle de 1953, Soulages s’inspire de ces premières œuvres sur papier de la fin des années 40, tirant leur approche gestuelle de leur transparence et de leur espace en couches. La peinture 193,4 x 129,1 cm (1948-1949), une œuvre de la collection du Museum of Modern Art de New York, revêt une importance particulière en tant que précédent. Avec cette peinture antérieure, Soulages a étendu son travail à la même grande échelle à laquelle il retournera en 1953. De manière critique, dans Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 Soulages a revisité son utilisation des lignes courbes que l’on retrouve dans la peinture du MoMA, donnant des peintures ouvertes et des compositions dynamiques.

La période de 1948 à 1953 a également été essentielle à la reconnaissance critique et institutionnelle de Soulages. En 1948, il était le plus jeune artiste à faire partie de la Grosse Ausstellung französischer abstrakter Malerei, une grande exposition itinérante de peinture abstraite française qui a fait le tour de sept villes d’Allemagne ; une des toiles au brou de noix de Soulages a illustré l’affiche de l’exposition. La même année, James Johnson Sweeney, alors ancien conservateur du Museum of Modern Art, a visité le studio de Soulages en 1948 et a peu de temps après présenté l’artiste au directeur du musée Alfred H.Barr et à d’autres membres clés du monde de l’art américain. Sweeney allait devenir un champion du travail de Soulages.

L’année 1953 a vu un succès international accru pour Soulages, avec des effets profonds sur sa carrière, en particulier dans les Amériques. Il a participé à la deuxième Biennale de São Paulo en décembre, rejoignant ce qui est largement connu comme l’édition la plus importante de l’événement. En décembre 1953, les jeunes peintres européens ont également ouvert leurs portes au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, une exposition organisée par Sweeney, alors nouveau directeur du Guggenheim. En écrivant que les artistes européens inclus « s’affirmaient d’une manière qu’ils n’avaient pas fait depuis trente ans », Sweeney a exposé Peinture 195 x 130 cm de Soulages, mai 1953 aux côtés d’œuvres d’artistes tels qu’Alberto Burri, Hans Hartung, Georges Mathieu et Jean-Paul Riopelle, et allait acquérir la peinture pour le musée.

Dès ses premières expositions à New York, le travail de Soulages se positionne comme un homologue de l’expressionnisme abstrait américain, comme on le voit dans Painted in 1949: European and American Painters (1949) chez Betty Parsons Gallery et dans Young Painters in US and France (1950), une exposition de groupe à la Sidney Janis Gallery organisée par Leo Castelli. Dans Young Painters aux États-Unis et en France, Soulages a été jumelé directement avec Franz Kline. Les comparaisons entre Kline et Soulages sont restées persistantes, étant donné que les deux artistes ont travaillé dans des modes gestuels avec une palette à prédominance noire. Bien que Kline et Soulages aient utilisé des gestes calligraphiques pour créer une infrastructure architectonique dans leurs peintures, leurs propos diffèrent. Plutôt que de privilégier le geste du pinceau en charge de lui-même, Soulages considérait la gestualité du pinceau comme un élément parmi d’autres moyens pour créer une composition unifiée. Comme Soulages le dira plus tard : « Le geste n’a pas beaucoup d’importance pour moi. Ce qui m’intéresse, c’est ce que ce geste produit sur la toile : cette trace peinte sur la toile, qui a ses propres propriétés physionomiques uniques car aucune touche ne ressemble à une autre. Cette touche, cette trace, ont de réelles qualités spécifiques, un certain contour, une longueur, une épaisseur, une matérialité . . . Lorsque vous voyez un gros coup de pinceau courir sur trois mètres de toile, vous pouvez sentir l’action dont il est originaire. Mais ce geste est incarné dans la toile et ce qui m’intéresse n’est pas l’action mais son incarnation picturale. » Cette compréhension de la création artistique diffère de la philosophie de la New York School et différencie le travail de Soulages de celui de Kline et de ses compatriotes américains.

L’extraordinaire sens de la lumière intérieure, de l’organisation planaire et de la différenciation de l’espace par une utilisation subtile des couleurs et des tons dans Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 rappelle également le travail d’un autre maître de la New York School : Mark Rothko, qui était l’ami et le collègue de Soulages. Comme Rothko, Soulages évite les titres descriptifs de ses œuvres, pensant que ceux-ci nuiraient à l’expérience purement visuelle qu’implique la perception de ses tableaux. En outre, la création par Soulages de grandes peintures qui utilisent l’impact de l’échelle pour envelopper le spectateur offre une autre similitude avec le travail de Rothko, qui affirmait que « Peindre une petite image, c’est se placer en dehors de votre expérience, regarder une expérience comme une vue stéréoscopique ou avec un verre réducteur. Cependant, si vous peignez une image plus grande, vous y êtes. Ce n’est pas quelque chose que vous commandez. »

Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 a joué un rôle important dans la définition des contributions européennes à la peinture contemporaine aux États-Unis, notamment dans la région de Boston, grâce à son premier propriétaire : Lester H. Dana. Dana était un fervent collectionneur d’art d’avant-garde internationale et administrateur de l’Institut d’art contemporain de Boston. Le directeur de l’Institut, Sue M. Thurman, l’a décrit comme « un collectionneur d’artistes » qui a recherché les artistes qu’il a collectionnés et les a connus ainsi que leur travail. Avec Soulages, Dana a acquis des œuvres importantes de Francis Bacon, Alberto Burri, Sam Francis, Adolph Gottlieb, Georges Mathieu, Matta et Zao Wou-Ki, entre autres.

À la suite de l’acquisition de Dana, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 a été incluse dans trois expositions importantes présentées par les institutions artistiques les plus progressistes de la région au début des années 1960. En 1961, il a été exposé dans A Century of Modern European Painting, l’exposition inaugurale du Rose Art Museum de l’Université Brandeis à Waltham, Massachusetts – une institution qui allait rapidement s’imposer comme une voix influente qui faisait la promotion de l’art contemporain aux États-Unis.

En 1962, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 est présentée dans une exposition Soulages au Massachusetts Institute of Art, la première manifestation consacrée au travail de l’artiste aux États-Unis. En tant que première œuvre incluse dans l’exposition du MIT, cette peinture a défini un point de départ pour l’œuvre de Soulages dans cette exposition solo. Une présentation de l’artiste déclare : « Son travail a été largement exposé et a été considéré comme une part importante de l’art contemporain – inclus dans la plupart des collections de musées et collections privées », le texte de l’exposition a en outre noté que « les critiques ont décrit le dernier travail de Soulages en termes de traces audacieuses et autoritaires ou des « planks » de peinture qui structurent l’espace de la toile. »

Plus tard en 1962, Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 a été exposée à l’Institut d’art contemporain de Boston dans une exposition commémorative de la collection Dana après le décès inattendu du collectionneur. Avec une autre peinture de Soulages de 1955, l’œuvre actuelle a été présentée avec une sélection d’art contemporain américain et européen qui a marqué le goût averti et aventureux de Dana. Cette exposition – qui a eu lieu il y a 58 ans – a marqué la dernière fois que le présent travail a été vu publiquement jusqu’à la présentation actuelle.

En plus de sa relation avec l’art américain d’après-guerre, l’art asiatique a eu une profonde influence sur Soulages. Le peintre avait un grand respect pour la peinture et les traditions calligraphiques de l’Asie de l’Est. Au début de sa carrière, il a fait le lien entre son travail et les formes idéographiques de la calligraphie chinoise, en notant : « J’ai fait des combinaisons de lignes qui ont frappé l’œil du spectateur comme une grande forme, un grand signe que vous pourriez voir d’un coup et un beau jour, j’ai réalisé que les dessins que je faisais rappelaient les caractères chinois. »

Le lien entre Soulages et ses contemporains asiatiques s’est révélé mutuellement gratifiant. Cela s’est manifesté le plus profondément dans ses relations avec deux artistes chinois qui ont fait leur carrière principalement en France : Chu Teh-Chun et Zao Wou-Ki. Soulages était particulièrement proche de Zao, avec un fort sentiment de camaraderie et un respect mutuel qui ont été maintenus tout au long de leur vie. Zao a déménagé de Chine à Montparnasse à Paris en 1948 et s’est rapidement lié d’amitié avec Soulages. Les deux passeront du temps l’un avec l’autre aux États-Unis, se retrouvant à New York en 1957 et voyageant à travers les États-Unis et Hawaï au cours de l’année 1957, avant de se rendre au Japon. Soulages présentera Zao à son galeriste Samuel Kootz, amenant ainsi Kootz à représenter le peintre sino-français aux États-Unis, avec six expositions organisées de 1959 à 1965.

En 1992, Pierre Soulages recevra le Praemium Imperiale pour la peinture de la Japan Art Association. Deux ans plus tard, Zao Wou-Ki recevra cet honneur prestigieux. Les réalisations de Soulages ont été reconnues en Asie, notamment avec une rétrospective de 1984 au Seibu Museum of Art de Tokyo et une rétrospective de 1993 qui s’est tenue au Musée national d’art moderne et contemporain de Séoul, au Musée des Beaux-Arts de Pékin et au Musée des Beaux-Arts de Taipei.

Lévy Gorvy est honoré d’apporter cette peinture rare à Hong Kong. Œuvre vitale et essentielle dans la compréhension de la carrière de Soulages. Peinture 195 x 130 cm, 28 juillet 1953 amène également à faire un rapprochement important pour l’exposition à l’ensemble des peintures Outrenoir. Artiste toujours actif à l’âge de 100 ans, Soulages, personnage que le philosophe Alain Badiou a qualifié de « contemporain éternel », a offert une continuité extraordinaire au sein de son œuvre.

* repris du texte original – Lévy Gorvy Gallery

Pierre Soulages et le Japon

Publié le 16 juin 2020.

I – CETTE VISION DE SÈTE, « C’ÉTAIT MON JAPON »

C’est un Japon inattendu que l’aveyronnais Pierre Soulages, mobilisé en 1939-1940, découvre sur les rivages méditerranéens :

Devant moi s’étendait une sorte de flaque de métal fondu, belle étendue éclairée par la lune : c’était l’étang de Thau. Je distinguais la silhouette du Mont Saint-Clair avec la mer pour seule ligne. J’ai pensé au mot de Van Gogh en arrivant à Arles : » C’est aussi beau que le Japon. » Et pour moi, cette vision de Sète, c’était mon Japon. Au fond de moi, j’ai décidé que je reviendrai là un jour. »

Propos de Pierre Soulages recueillis par Matthieu Séguéla, in Soulages. D’une rive à l’autre, Actes Sud, 2019. Co-écrit avec Michaël de Saint-Chéron

II – LES TABLEAUX DE SOULAGES A TOKYO

« A l’occasion du Salon de mai organisé pour la première fois au Japon en 1951, Soulages expose une oeuvre remarquée : Peinture, 200 x 150 cm, 14 avril 1950 (ill. 1). Là comme en Europe, le néofauvisme domine alors parmi les artistes modernes nippons. Le style de Soulages tranche avec celui de ses contemporains : gamme chromatique limitée, formes hiératiques, larges lignes noires et signes impénétrables. Ces derniers attirent l’attention de Shiryu Morita et des calligraphes de son groupe d’avant-garde Bokujin, « les hommes de l’encre » qui apprécient particulièrement la Peinture 130 x 162 cm, 1952 (ill. 2). Entre 1953 et 1959, l’International Art Exhibition, biennale itinérante au Japon, sélectionnera quatre peintures de Soulages À la biennale de 1957, le Grand prix lui est attribué pour Peinture, 195 x 130 cm, 20 juillet 1956. »

Extrait de Matthieu Séguéla, Soulages. D’une rive à l’autre, Actes Sud, 2019. Co-écrit avec Michaël de Saint Cheron

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Crédits : collection particulière ; Milwaukee Art Museum, États-Unis ;

III – 1958, PREMIER VOYAGE DANS L’EMPIRE DES SIGNES

En janvier 1958, Pierre et Colette Soulages gagnent le Japon en provenance des États-Unis. Le peintre Zao Wou-ki les accompagne. Lors de ce voyage initiatique, les Soulages rencontrent à Tokyo les calligraphes du groupe Bokujin, le sculpteur et maître d’ikebana Sôfu Teshigahara et des collectionneurs avertis : Shôjirô Ishibashi, fondateur du musée Bridgestone (Artizon museum) et Soichirô Ôhara à la tête du musée d’art de Kurashiki qui, l’année suivante, fait entrer la première toile de Soulages dans une institution japonaise : peinture, 162 x 130 cm, 4 mai 1959 (ill.1).

À Nara et à Kyoto, les révélations esthétiques se succèdent pour le peintre attiré par l’architecture traditionnelle en bois des temples (Todai-ji, Shosoin, Kiyomizu) et des résidences impériales (Katsura rikyû). Au Pavillon d’or, ce sont la disposition des rochers dans le lac et le rapport à l’espace qu’ils dessinent qui le séduisent. De même que le fameux jardin sec du Ryōan-ji voisin. Il aime ce rectangle parcouru de sillons de fin gravier, cet espace né de l’agencement des pierres. « C’est de l’art », résume-t-il évoquant son « émotion infinie ». Cet homme qui a grandi entre « l’église de Conques, les menhirs dans les champs et les arbres nus de l’hiver » a retrouvé là un peu de son Aveyron : « Quand j’ai vu Ryōan-ji et Kinkaku-ji à Kyoto, cela m’a rappelé mes souvenirs d’enfance. » Et de conclure que « l’art véritable n’a ni frontière, ni temporalité ».

Matthieu Séguéla, in Soulages. D’une rive à l’autre, Actes Sud, 2019. Co-écrit avec Michaël de Saint Cheron

Pierre Soulages au temple de Daisen-in, Kyoto, 1958. Photographie par Colette Soulages

Pierre Soulages,162 x 130 cm, 4 mai 1959 – Ohara Museum of Art, Kurashiki.

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IV – L’OUTRE-NOIR AU PAYS DE LA LAQUE

Après plusieurs expositions collectives au Japon, une rétrospective est consacrée à Pierre Soulages au musée d’art Seibu de Tokyo en 1984 à l’initiative du mécène Seiji Tsutsumi. Le public est au rendez-vous. L’artiste français trouve les Japonais sensibles à la modernité de son travail et moins réticents que d’autres à accepter l’art abstrait. La nouveauté parmi les 45 œuvres exposées sont des peintures monopigmentaires qui réfléchissent la lumière : les Outrenoirs.

Comme dans le cas des œuvres de Soulages des années 1940-1950 associées à tort à la calligraphie, ces Outrenoirs sont l’occasion d’un nouveau rapprochement avec l’art traditionnel de la laque. A ceux qui l’interrogent sur cette similarité, Soulages rappelle que des points communs ont toujours existé entre l’Occident et le Japon. Il cite Toulouse-Lautrec s’intéressant à l’art de l’archipel et s’en inspirant. « Ce n’est pas mon cas dit-il. Je m’intéresse depuis longtemps à l’art japonais que j’aime mais il n’y a pas d’influence. Je n’ai su qu’après que j’avais des choses pouvant sembler proches.»

En 1992, le Praemium Imperiale, le “Nobel de l’art japonais”, est décerné à Pierre Soulages à Tokyo. Cette prestigieuse reconnaissance est suivie en 2000 par une création originale de l’artiste : un vase réalisé à la demande du Président Jacques Chirac qui offre au Japon un trophée pour le grand prix du sumo. Une œuvre mêlant le noir, l’or et des nuances de gris que le public peut désormais admirer au musée Soulages avec le soutien des Amis du musée Soulages.

Matthieu Séguéla, in Soulages. D’une rive à l’autre, Actes Sud, 2019. Co-écrit avec Michaël de Saint Cheron

Rétrospective de 1984 à Tokyo, Praemium imperiale (1992)

Vase Soulages (2000)

Au delà de l’horizon

Publié le 20 mai 2020.

« La première fois, je pense que personne ne peut avoir l’idée de ce qui l’attend quelques pas plus loin.
Soudain LA découverte.
Subitement au travers des larges baies vitrées, se déroule, sidérante, la ligne d’horizon.
Choc, éblouissant de simplicité. »

Extrait de « Pierre Soulages, au fil de l’amitié » [1]

Cette photo [2] me renvoie 35 ans en arrière, à cette première fois où je me suis trouvé conquis, submergé, aimanté par cette vue invraisemblable.
J’avais été invité à venir passer une journée à Sète. Si j’avais déjà vu quelques photographies du lieu, jamais je n’aurais imaginé ce qui m’attendait.

La sensation donnée par cette vue panorama grand-large ne pouvait entrer dans le cadre d’une Image.
Je connaissais Pierre depuis quelques mois, un an peut-être, j’avais plusieurs fois rencontré Colette, mais je fus surpris quand un jour ensemble ils me proposèrent « tu ne viendrais pas cet été nous voir à Sète ? »

J’avais vécu cela comme une joie immense mais je m’étais senti écrasé par la proposition d’être invité dans ce que j’imaginais être un repaire, la caverne où je pensais qu’ils passaient leurs vacances, au calme, loin de Paris.
J’ai vite compris que ce n’était pas une maison de vacances mais un espace extraordinaire où Pierre travaillait l’été.

Rien ne pourra effacer de ma mémoire ce moment incroyable où, le « Grand Pierre » et moi avions au cours de ce premier après-midi sétois, discuté de peinture et de lumière, en nageant dans la piscine, en contrebas de l’atelier. Seuls le bruit de nos bras dans l’eau et nos voix flottaient dans le silence.

En levant les yeux, la porte de l’atelier.

Cette maison était à l’image de Pierre et Colette, ouverte sur l’extérieur, cette ouverture qui fait que tous deux s’intéressent à ce que vous faites « et toi…parle-moi de toi… ».
Sauf l’atelier.
Il était à l’image de celui de Paris dont je me disais toujours qu’il devait y faire « bon vivre ». Ici j’avais l’impression d’être au paradis !
Ces deux espaces bien que séparés de 800 kilomètres avaient en commun le calme et l’ordre, tout y était à sa place, rangé.
Mais la lumière entrait différemment dans les deux pièces réunies de l’atelier sétois, qui, bien que faisant corps avec la maison, en étaient éloignées.
L’atelier était aussi l’exception de la maison, étant la seule pièce ne voyant pas la mer.
Comme à Paris, on ne voyait des peintures que le dos. Ici aussi elles naissaient, vivaient, peut-être partiraient-elles vivre ailleurs, peut-être leur vie s’achèverait au milieu des flammes dans le petit jardin au fond de l’atelier. Elles attendaient face contre le mur.
Comme dans le 5ème arrondissement l’espace était propre et rangé, condition indispensable pour permettre à Pierre de penser sans être menacé. Prérequis impérieux pour que seul, il puisse commencer à sentir comment allait peut-être surgir ce qu’il ne connaissait pas encore mais qui était déjà en lui. Il reste sans cesse à la recherche d’un temps qui n’est jamais perdu.

A l’instant où vous mettez le pied sur la terrasse l’horizon vous envahit, mais vous ne pourrez l’appréhender dans son ensemble sans bouger la tête d’une extrémité à l’autre, mais face à la courbure perceptible de la ligne, vous pourrez perdre toute croyance en la platitude de la terre.
Cet horizon magnétique exerce une incroyable force d’attraction sur le regard, et fait saisir pourquoi, dès sa conception, Pierre ne voulait pas voir la mer de l’atelier.
La première photo, la seule je crois, où je suis avec Pierre, me trouve dos à la Méditerranée ; pour échanger avec Pierre sur la terrasse, il me fallait soit être à côté de lui accoudé au garde-corps, soit dos à la mer.
Cet envoûtement créé par la vue est encore renforcé par le calme et le silence si rarement troublés qui règnent là.

Cette chaise qui se fait discrète au milieu de la photo et qui n’entrave qu’à minima la vue, est l’amie qui m’accueille à chacune de mes visites. Elle m’offre l’apaisement face à une vague verte, aux mouvements de la mer, j’aime par dessus tout me retrouver devant le ciel, et parfois face aux nuages…les nuages qui passent…là-bas…là bas…les merveilleux nuages ! Chers à « L’étranger » de Baudelaire [3].

Cet horizon me permet de me retrouver.

Pierre Duterte,
auteur de « Pierre Soulages, au fil de l’amitié » – réédition – suivi de « J’ai acheté un horizon », éditions Michel de Maule

[1] Extrait de « Pierre Soulages, au fil de l’amitié » (voir d’autres photos)

[3] Charles Baudelaire, Petits poèmes en prose, 1869